Time of Doubles: Flux is one of the version of their Artificial Nature series which is a research project and an evolving art installation since 2008. It is an immersive interactive art installation, which consist of stereoscopic projection with an arc- shaped screen, 3D depth camera sensing, and a surround array of active loudspeakers. And it aims to let audiences to experience mirror existences.

There are different creatures on the screen, such as small green balls are protists (they look like frog somehow), long transparent snake-like life-forms in blue are bigger marine animals, and orange particle of sun are humans. All of these elements are formed a food chain and imitated ecosystem.

Fig.1. Stereoscopic projection with an arc- shaped screen.

Fig.2. A picture consist of small green balls, snake-like life-forms and particle of sun.

It is just like a mirror, a mirror presents a horizontal world which contain human and creatures. Although all are not live in the same space, they affected each other.

Here is a video shows how the presence of human affects the corresponding world:
click here → How they work

When a man stands in front of the screen, he is providing eaten resource and will attract protists come to absorb the energy as their food. Then, the bigger marine animals come to eat the protists. But the provided energy is depends on how many people are there, the more people present, the more sources for the creature. (fig.3)

(fig.3)

For the meaning of this art work, it is about natural theory, which is interesting and meaningful.

First of all, it represents the jungle law which is the weak are the prey of the strong. During the process, whenever the snake-like life-forms pass through, the number of protist is decreased in those areas. That means the bigger size you have, the bigger right you have. Although it looks harsh, however this is what we call JUNGLE RULE in reality.

Besides, I think the art work talk about the relationship between nature, technology and art which is the main purpose why the two creators make this art work out. Since they think that these elements could be combined, as well as is artists’ responsibility to combine these elements together through different art formats, citizens can live with nature without leave the city and reduce their time spend on transportation. Therefore audiences can work with the evolving in a few minutes and in the city.

On the other hands, it means that audiences can make a great effort on evolution of organisms. In this art work, after the organisms have eaten food from the humans, speed of growing is increased rapidly. The protists will have four legs, that is why it looks like frog somehow. Back to the world we are living, what have humans done also make a great impact on organisms. For examples, hunters kill animals to extract their blood, fur and organ, which diminish the amount of extinct species; and countries destroy rainforest to gain land and wooden for selling, this action ruin species’ habitat. The most obvious evidence is the global warming. Not only human affected by the climate changes, but also species. With the impact, they can do nothing but adapt the changes of environment. Is their responsibility to bear the impact? NO. At least they know how to respect the nature and well use of resources.

So, is it high time we have to reflect ourselves and the relationship between nature and human? Time of Doubles: Flux might give us some hints.

Nicky Assmann est une jeune artiste hollandaise qui s’est formée à l’Académie Royale des Arts de la Hague dans la section sciences et art. Au cours de ses études, elle s’intéresse au rapport entre le corps, les objets et l’espace provoqué particulièrement par les différents états physiques du savon. Dès lors, elle commence à expérimenter et projeter cette matière dans des installations lumineuses. En 2010, elle présente Between Shadow and Reflection qui met en scène des bulles et de la mousse de savon qui crée des motifs graphiques et des paysages. Cette base de recherche qui repose sur la reflection, la couleur et la lumière du savon ont guidé l’artiste à concevoir l’installation Solace dans le cadre de son projet de fin d’études. L’installation recevra le StartpointPrize en 2011 qui récompense les talents émergents des écoles d’art européennes.

Solace, a soap film apparatus est une installation cinétique conçue par l’artiste comme un moment de contemplation et de détente. Deux bulles de savon s’élèvent sous la forme d’écran et s’évaporent à intervalle régulier. L’élévation progressive du film provoque un étirement de couleurs iridescentes et s’évaporent pour donner naissance à une autre palette. Ce phénomène crée un effet de miroir qui renvoit l’image du spectateur et celle d’une réalité déformée. Le corps est ainsi absorbé par l’effet iridescent et hypnotique de la bulle.

Installation en marche , photos de Christiaan van Doesburg

De plus, le visiteur se laisse bercer par la cadence du dispositif, régie par un mécanisme de deux tiges en aluminium qui s’imbibent dans un liquide savonneux. Le mouvement répétitif des tubes s’orchestrent de façon alternative et crée une sorte de chorégraphie. Le système est alors interrompu par l’extinction soudaine des projecteurs qui plongent la pièce dans l’obscurité. Par conséquent, les écrans deviennent transparents et les films de savon se retrouvent projetés sur les murs de la pièce. On assiste donc à un spectacle de couleurs qui vibrent du sol au plafond. Cette projection donne corps à l’espace durant une courte durée avant de revenir au dispositif initial.

En outre, Le corps du spectateur est confronté aux écrans de savons sur deux plans distincts. D’une part, le visiteur se trouve face à la bulle lorsque la pièce est lumineuse et de l’autre au centre de celle-ci lorque l’espace tombe dans l’obscurité. Ce changement de luminosité modifie l’état du savon, immerge le spectateur dans la bulle et crée l’interaction. Le savon est donc à la fois un film physique, un tableau dans lequel on perçoit des paysages colorés, un miroir mais aussi un écran de projection. Cette transposition d’écran apporte une dimension spectaculaire et expérimentale à l’installation.

Les questions qui se posent sont alors les suivantes : « Manque-t-il un sens à tout ces mécanismes ? S’agit-il simplement d’une expérience sur la lumière et la réflection du savon ?

En 2004, l’installation « Tension superficielle » d’Elise Mougin, exposée dans les locaux de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs nous montre la projection d’un oeil fermé sur un film de savon qui éclate. Dans ce cas, l’artiste utilise le caractère éphémère de la bulle pour servir un propos personnel. À l’inverse, Nicky Assmann expérimente les caractéristiques chimiques de la matière pour créer une interaction dans l’espace. Le spectateur est ainsi confronté physiquement à l’oeuvre et se laisse transporté sur différents plans de la pièce. Par conséquent, cette expérience s’impose au spectateur comme une brèche temporelle. Elle altère notre vision de la réalité et modifie l’aspect de l’espace environnant.

C’est pourquoi, le principe interactif de l’oeuvre repose sur les réactions physiques de la matière mais aussi sur la notion d’instantané. Le mécanisme des tubes crée de façon aléatoire des couleurs, un type de projection qui varie selon les conditions physiques de la pièce et du nombre de visiteurs à un certain moment. C’est donc la confrontation entre le spectateur et le film de savon, à un instant donné, que l’oeuvre devient une expérience unique et personnelle. Chaque visiteur influe sur l’installation et génère de nouvelles images sur les écrans de savon .

Enfin, Nicky assmann s’inscrit parfaitement dans la thématique générale de l’exposition dite « low tech ». Un mouvement artistique qui revendique le retour à l’usage de techniques simples pour créer de l’interactivité. C’est ainsi que Solace est une oeuvre qui appartient à cette mouvance actuelle et reussi à nous projeter dans un espace vibrant et éphémère.

Camille Rayssac.

Lien vers la vidéo de l’installation « Solace a soap film apparatus »

François Olislaeger est né à Liège en 1978. Diplômé de l’école de dessin Emile Cohl de Lyon, il a travaillé pendant de nombreuses années dans le secteur de la presse (Le Monde, Libération, Les Inrockuptibles…) En 2005, il s’associe avec la scénariste Pauline Fondevila pour la création d’une bande dessinée, Little P in Echoes Land. L’année d’après, il publie Un autre monde est possible avec Pierre Cattan, reportant leurs expériences lors du sommet altermondialiste de Caracas.

L’œuvre de François Olislaeger  plonge les spectateurs dans le noir. Ces derniers, à l’aide d’une lampe torche, sont amenés à découvrir les détails de la fresque comme s’il s’agissait d’une peinture rupestre. Intime, la visite met en avant les témoignages des contributeurs sur leurs représentations du futur. Ces témoignages ont été recueillis sur le site de la Gaîté Lyrique en amont de l’exposition. Différents montages sonores déclenchés de manière aléatoire viennent agrémenter l’expérience. Ils permettent la liaison entre le futur imaginé et sa matérialisation picturale. Les spectateurs peuvent évoluer de façon libre dans cet espace. Les dessins qu’ils découvrent sont en noir et blanc, simples et précis rappelant l’univers de la Bande Dessinée. Descriptifs pour certains, plus évasifs pour d’autres, ils interagissent directement avec notre capacité à nous projeter dans le temps.

Le caractère innovant de l’œuvre ne réside pas dans son installation mais dans le décalage entre une scénographie qui invite le spectateur à jouer l’archéologue et les détails futuristes de la fresque. La notion de temporalité se retrouve donc au centre de la visite. De plus, le visiteur découvre différentes représentations du futur : rétroprojection des rêves, films sur des lentilles de contact, centres cryogéniques pour la préservation de l’espèce humaine, transformation de nos métabolismes, voyages intergalactiques etc. Le paradoxe de la situation crée une sorte d’anachronisme ce qui soulève la notion d’OOPArt (Out Of Place Artifact). Elle désigne un objet archéologique dont la présence sur le site de découverte suscite une énigme car il est hors contexte. L’expérience invite le spectateur ainsi à s’imaginer une multitude de scénarios. La puissance de cette œuvre réside donc en sa capacité à faire fonctionner notre imaginaire et à nous projeter dans le temps.

Chacun est touché d’une manière personnelle. On se laisse surprendre par les dessins et les témoignages au fil de la visite. On dirige notre sens de lecture à l’aide des lampes torches. Le visiteur est amené à jouer le rôle d’un véritable chercheur, il doit faire ses propres découvertes, il doit être son propre guide.

Cependant, l’espace aurait pu être envisagé différemment et les capacités de la Gaîté Lyrique auraient pu être mieux exploitées. En effet, l’œuvre est très statique, elle n’évolue pas alors qu’elle parle du futur. Les visiteurs auraient pu participer directement à l’œuvre via un dispositif qui leur aurait permis de dessiner leurs propres représentations du futur. Les dessins seraient venus agrémentés continuellement l’installation donnant une dimension évolutive à l’ensemble. De plus, en laissant un accès sans limite de temps, l’œuvre aurait pu servir d’un véritable centre d’archivage et de mémoire collective pour une vision globale du futur. Ainsi, la notion de temporalité aurait été renforcée.

Il aurait été également intéressant de ne pas se limiter uniquement à un côté de la pièce. On aurait pu imaginer une vision à 360° avec des projections sur le plafond, le sol et les trois autres faces. Enfin, l’expérience aurait pu être plus immersive encore avec un travail plus approfondi de l’ambiance sonore.

La fresque de François Olislaeger est un voyage spatio-temporel. Amenant chaque visiteur à se confronter au monde de demain, elle rappelle aussi que les premières formes d’animations appartenaient à l’art rupestre lorsque les flammes des torches venaient faire « danser » les dessins. L’artiste a choisit une représentation plus ou moins statique du futur mais puisque chaque seconde qui passe nous rapproche du futur, ne pourrions-nous pas envisager une fresque qui soit évolutive elle aussi ?

-M-

Un espace d’exposition est plongé dans le noir. Il est traversé par un câble en acier éclairé par ses deux extrémités. Silence.
Le visiteur observe et s’approche de ce câble qui semble transmette quelque chose. Le silence est tel que l’on devine un bruissement de la matière. L’auditeur en vient à poser son oreille sur le câble, c’est alors un univers complet de sonorités qui s’offre à lui.
L’écoute se fait par voie osseuse qui transmettent à l’oreille interne des ondes vibratoires elles-mêmes transmisent par l’acier et qui sont générés par des transducteurs électro-mécaniques. Le signal audio est généré par un programme informatique qui sur la base d’échantillons phonographiques du vent et de bruits de synthèse, crée des sons à l’infini. Il n’y a aucun début ni fin à l’oeuvre sonore.

Les ondes vibratoires (et donc le son) effectuent des allers-retours d’un bout à l’autre du câble. Cette réverbération, tel un écho, donne une sensation de spatialité sonore.

Désorientation

Deux espaces distinctifs? Des tensions entre son et espace, entre réel et virtuel.

La personne expérimentant l’installation se figure un espace sonore, et en parallèle un espace réel qui lui, est dénué de tout son. Comment ces deux espaces de nature différentes cohabitent-ils?
L’espace sonore provoque l’imagination du spectateur, qui se crée une image virtuelle d’un environnement dans lequel les sons se déplacent. La profondeur des bruits du vent ainsi que la vitesse des claquements et de leur va et vient, figurent un espace virtuel qui semble vaste et complexe.
Au contraire, l’espace «réel» d’exposition est élémentaire (4 murs) et sans bruit. Le vide créé dans la pièce invite les visiteurs au silence.

Une tension se crée entre un espace réel qui est simplement occupé par un câble. Et un paysage virtuel sonore qui nous est transmis par ce même élément et que s’imagine l’auditeur. L’un devient-il le complément de l’autre? Ou bien le spectateur est-il positionné entre deux espaces qui ne font pas appel aux même sens?

La pénombre / La lumière

Deux expériences de Vent Tendu différentes?

L’installation Vent Tendu n’est pas toujours exposée telle qu’elle l’a été au festival Exit (dans une salle plongée dans le noir, avec des spots éclairants d’un bout à l’autre le câble), elle est parfois proposée dans des espaces tout aussi neutres, mais aux murs blancs et baignés de lumière.
Ces deux modes d’exposition font-ils une différence dans l’expérimentation de l’auditeur? L’appréciation de l’oeuvre est-elle la même?

La salle plongée dans le noir supprime toute notion d’espace et d’environnement visuel au spectateur. Dénué de repères, il est alors beaucoup plus à l’écoute de ses sens et apte à vivre une expérience sensorielle. Ce mode d’exposition est propice à l’imaginaire et à la projection d’un espace virtuel à l’endroit même où il se trouve. Il crée un espace visuel autour de lui. Barnett Newmann dit que le noir est la couleur du « vide pour faire place à l’expérience ».
Lorsque Vent Tendu est exposé dans un espace lumineux, même si celui-ci est tout aussi rudimentaire, un contexte architectural s’impose au visiteur. Nous pouvons voir deux espaces différents à la Villa ARSON ( modèle du White Cube ) et au centre d’Art du Fort Bruissin ( ancien Fort militaire du XIXème ). Le visiteur ne peut se détacher de l’atmosphère émanant de la pièce. Je ne veux pas dire ici que l’espace est une limite à l’expérience sonore, mais que l’imaginaire sonore du visiteur s’inscrit dans ce cas là dans un espace pré-dessiné par l’environnement.

Un mode d’installation propice à l’écoute.

Quoi de mieux que le silence pour mettre en valeur le travail d’un plasticien sonore?

Ce silence et la neutralité du lieu d’exposition permettent une disponibilité des sens du visiteur. L’ouïe est un sens constamment suscité, et le silence nous interpelle. Aucune autre aptitude que l’ouïe n’est interpellée. Le minimalisme de la mise en place permet de ne pas se focaliser sur l’apparence de cette oeuvre, et laisse place à l’expérience sonore qu’il propose. La mise en lumière du câble, permet de mettre en avant l’objet de l’expérience. Le relation de l’auditeur à l’espace est une ligne directrice du travail de Pierre-Laurent Cassière ( cf. Article sur Schizophone ). L’artiste expose son oeuvre, mais laisse toute liberté au visiteur de l’expérimenter. Ce silence active la curiosité de l’auditeur, qui fera le choix d’interagir avec l’oeuvre.

Décomposition

Métaphore Instrumentale / Le son tactile

Le corps est la caisse de résonance dans lequel les ondes vibratoires se transforment en un paysage sonore fait de claquements, de bruissements et de souffles. Le câble est le liant entre l’auditeur et les ondes vibratoires. La matière par laquelle passe le son afin qu’il soit perceptible et audible. Le visiteur est amené à avoir un contact physique avec l’oeuvre pour que le son atteigne le système auditif, il est conduit à poser la tempe sur le câble. Le corps de l’auditeur devient alors l’élément d’un instrument, le prolongement de l’oeuvre de Pierre-Laurent Cassière. L’artiste va plus loin que l’expérience interactive et sonore, il use du corps de l’auditeur et en fait l’élément clé à l’écoute du dispositif sonore. Le corps comme support d’écoute de l’oeuvre.

C’est par les vibrations transmises à la matière (le câble) puis au corps que le son se répand et devient audible. Pierre-Laurent Cassière transforme le son, qui par définition est un élément impalpable, en expérience corporelle. L’expérience sensitive devient physique. Le contact avec la matière est essentiel à la compréhension de l’oeuvre. L’artiste ajoute à l’expérience sonore, une expérience du corps comme objet de transmission.

L’artiste décompose chaque élément d’un dispositif sonore classique. L’homme et son corps (ex : le musicien), générateur, créateur de sons devient ici un objet récepteur (le squelette fait office d’amplificateur pour le système auditif). Il n’est pas seulement l’oreille, apte à saisir les ondes sonores, il est la matière par laquelle se diffuse le son. La corde, ici le câble, matière sur laquelle le musicien apporte des tensions afin de générer des vibrations et donc du son, n’est plus l’élément sur lequel on agit mais devient la matière de transmission du son vers l’auditeur. Le générateur de vibration (initialement le musicien) est ici un transducteur relié à un ordinateur qui diffusent les vibrations correspondants à des sons.

Délocalisation

Expérience personnelle, expérience du corps.

Comment réaliser une expérience sonore personnelle, sans l’aide de casque qui isole du bruit environnant?
Le son est transmis d’une façon inhabituelle à l’auditeur. L’écoute se fait dans la matière, par la matière et avec l‘intermédiaire de son propre squelette. L’artiste effectue une délocalisation de l’écoute et de la transmission du son. Habituellement capté dans l’air, et transmis par amplification, audible de tous dans un espace, Pierre-Laurent Cassière transforme l’expérience sonore collective en une expérience personnelle et intracorporelle.
Le son ne peut s’apprécier habituellement que par l’intermédiaire du système auditif. C’est cette fois-ci le corps de l’auditeur qui est mis en jeu. Le squelette fait office de transmetteur des ondes vibratoires. Chaque auditeur est son propre amplificateur.
La délocalisation se situe aussi au niveau de la transmission du son d’un espace à l’autre. La source des vibrations n’est pas dans l’espace d’exposition. En tant qu’auditeur nous pouvons habituellement identifier la source sonore, ainsi l’artiste bouleverse nos repères en supprimant toute reconnaissance visuelle qui nous permettrai de comprendre la provenance des bruits émanant de la matière.

Faut-il développer une symbolique autour de cette oeuvre?

“Vent Tendu“ donne l’impression que le son est produit par la matière (par définition, l’acier est inerte). Ceci donne une dimension fantastique, magique à l’oeuvre. L’inconnu est divin.
Le câble est disposé en travers de la pièce du haut vers le bas. Ceci pourrait être la signification de l’ascension d’une source sonore, provenant soit du sol, soit de quelque chose de plus haut. Et par conséquent emmènerais l’auditeur à effectuer ce chemin de pensée.
Certes, la lumière est un objet de représentation symbolique forte. Elle renvoie au pouvoir de la divinité et de la révélation. Mais doit-on voir ici un lien quelconque? Pouvons-nous tirer un sens de cette mise en lumière directionnelle avec l’expérience sonore, les types de sons proposés (claquements, bruissements et la disposition du haut vers le bas du câble?

Tel que nous pouvons le voir dans l’histoire de l’art avec le mouvement impressionniste ou avec des peintres tel que le Caravage ou Turner, la lumière est d’abord l’élément essentiel à l’artiste, qu’il soit peintre, architecte ou plasticien. Elle est le moyen de mettre en valeur une oeuvre à sa juste valeur.

Il est certain que ce dispositif crée une sensation de monde parallèle fantastique voir divin car beaucoup d’éléments sont rassemblés. Sans pour autant en tirer des conclusions de symbolique trop imposantes, je pense qu’il faut rester dans l’expérience sensitive et personnelle de l’auditeur. L’artiste à su mettre en oeuvre tous les moyens pour que le visiteur puisse se créer son propre espace virtuel sonore.

Low Tech ou comment mêler ancien et nouveauté, passé et avenir, artisanat et numérique. Cette exposition à la Maison de Arts et de la Culture de Créteil présentait une vingtaine d’œuvres dont la perception était totalement bouleversée et renversée par l’œuvre Schizophone de Pierre-Laurent Cassière.

2006 ou la naissance de cinq prototypes de casques de désorientation. Réalisés avec des moyens peu coûteux (PVC, résine, néoprène et feutre), l’artiste va bouleverser notre façon d’entendre le paysage sonore.

Pierre-Laurent Cassière nous plonge dans une mise en abîme physique et sensorielle. C’est ici l’œuvre dans l’œuvre, l’œuvre dans les œuvres ; Nous la vivons grâce à ses complices, installations que l’on peut apercevoir du coin de l’œil, ou entendre vibrer dans nos tympans.

Car le Schizophone, lorsqu’il trône en maître sur le haut de notre tête, va entrer en communication avec les différentes œuvres présentes dans l’exposition. Il y a un aller-retour entre elles, elles se révèlent mutuellement des facettes insoupçonnées. L’œuvre de Pierre-Laurent Cassière est dotée d’une profondeur sans limites. Ces cônes de captation sonore ouverts sur l’extérieur n’ont de limites que celles de l’espace qui nous entoure. L’œuvre n’a ni début ni fin, elle est en perpétuelle évolution avec son environnement.

Schizophone se joue de nous

Posé là, humblement sur son support qui nous tend la main, ce casque est plus qu’un objet. Délicatement présenté face à nous sur un mur d’un blanc immaculé, il est révélé comme précieux sous les feux des projecteurs. Fixé au mur comme on fixerait un tableau, il se dresse fièrement devant nous et impose l’admiration de la beauté de ses courbes, magnifiées par la lumière qui le baigne. Suppression, ajout, travail et modelage des matériaux, ce casque n’en est plus un. Il devient sculpture. Il devient œuvre.

« Attrape moi » semble murmurer cette sculpture, c’est une invitation. Mais le mystère reste entier, une invitation à quoi ? Difficile alors d’imaginer que cet objet est vecteur de sensations tant il nous apparaît comme incongru et drôle à la fois. Le bras engagé, la main agrippe cette sculpture qui nous renvoie à un objet très familier, le casque audio et le porte naturellement à nos oreilles.

À en perdre la raison

Un casque d’écoute émet du son. Voilà l’évidence que l’artiste remet en question.

Transformé par la suppression du matériel électronique et par l’ajout de deux grands cornets acoustiques, dirigés de chaque côté de la tête selon l’alignement des épaules, le casque devient alors un récepteur. La forme conique amplifie le son. Immergés dans une bulle sonore, l’isolement se fait sentir. Les mains viennent presser le casque contre les oreilles. Nouvelle expérience dont il ne faut perdre une miette.

Ébullition

Sensation d’ouverture du corps entier sur l’espace qui l’entoure. Bouche cousue, yeux écarquillés, ouïe décuplée. Notre enveloppe physique semble alors être devenue un poids. Notre cerveau étant pleinement occupé à traiter des informations visuelles et auditives, le corps devient  alors une masse à déplacer de manière consciente.

Notre organisme est stimulé de manière intense au niveau de la vue et de l’ouïe. À la limite de l’hypersensitivité, les sons et les ressentis amplifiés mettent alors des parties de corps en éveil. Nos oreilles et notre corps entier sont à présent ouverts, comme si l’enveloppe charnelle avait disparu. Sensation d’un corps à vif. Toutes les manifestations sonores qui nous entourent se heurtent directement à notre intérieur.

Nouvelle façon d’appréhender l’espace, l’ouïe, qui est sollicitée au quotidien, prend le pas sur tous les autres sens et devient à présent nos yeux. Des yeux qui regarderaient dans des sens opposés.

Désorientation

La forme conique transforme notre perception auditive. Elle donne une direction au son qui va arriver à nos oreilles en passant par les cônes de la sculpture. Le fait qu’ils soient disposés de chaque côté de notre tête va scinder la réception sonore en deux. Oreilles droite et gauche sont dissociées. Elles doivent à présent fonctionner indépendamment l’une de l’autre.

Si la forme conique oriente dans une direction, le fait qu’il y en ai deux, situées de manière opposée dans l’œuvre, vient au contraire désorienter le spectateur, qui a le sentiment d’être appelé simultanément dans deux directions. Le fait qu’elle soit démultipliée fausse donc la localisation.

L’audition est un jeu

Après la surprise, l’isolement, la fascination et le transfert de sens, le corps se manifeste comme une évidence.
Le corps est support de l’œuvre.

Un pied devant l’autre, la vraie aventure commence. Le corps devient le moyen de vivre pleinement l’expérience. L’oreille, plus qu’un organe de communication, devient un organe d’orientation. La mobilité accentue la perte de repères. L’oreille alerte, entend, reçoit des sons de provenances souvent non identifiées.

Tête en l’air, tête baissée, léger pivot ou retournement franc, l’œuvre est une invitation au jeu, au mouvement. Légère, elle s’oublie rapidement. Elle met en exergue le pavillon de notre oreille. Simultanément juxtaposée et prolongement du corps, celui-ci reste libre de se mouvoir au gré de ses envies. Œuvre à vivre, œuvre à ressentir. Les mots s’effacent au profit des sensations.

Le corps est dans cette œuvre caisse de résonance des sons, il les reçoit et les traite. Puis les interprète, les transforme pour les traduire en images. L’imaginaire est sollicité, le doute et l’ignorance de la provenance d’un son a quelque chose d’inquiétant. Mais de fascinant aussi. L’artiste donne à chaque individu portant cette œuvre la possibilité de vivre le son et de transformer cette matière sonore. L’œuvre n’existe pas sans l’individu qui la complète. L’artiste crée le lien entre le spectateur et l’œuvre. Il les uni pour une expérience unique. Le spectateur accepte de transformer son corps. Car en portant le casque à sa tête, celle-ci devient extensible. L’œuvre intervient sur le spectateur comme le prolongement de son corps.

Stéréo augmentée

Dotée d’un filtrage passe haut, la prothèse auditive révèle des sons infimes. Étrangeté d’un nouveau paysage sonore, la déambulation crée sans cesse de nouveaux cadrages acoustiques. L’espace qui nous entoure est délimité par les sons que nos oreilles reçoivent, l’imaginaire fait le reste ; il se dessine un lieu, des murs virtuels pour cloisonner un espace qu’on ne pourrait finalement accepter comme infini. C’est un paysage abstrait qui ne revêtira pas les même couleurs ni les mêmes limites en fonction de chaque personne.

La combinaison de tous les sons présents in situ crée un paysage sonore riche et varié. Bruits inhérents à l’architecture du lieu, aux témoignages des gens, à leurs pas, sons émanants des autres œuvres sonores exposées dans le lieu… Le spectateur sera tantôt immergé dans un paysage à forte pollution sonore : où une multitude de sons seront captés par le cône. Tantôt il trouvera de la tranquillité dans la douceur d’un chuchotement.

Mais parfois chaque oreille perçoit indépendamment un paysage différent et le conflit s’opère. Instinctivement la tête cherche un angle d’écoute plus adapté au traitement des informations par le cerveau. Un angle où les sons ne sont pas totalement en opposition.

Je suis ici et là bas

L’ouïe est démultipliée. Les yeux trahissent. Je te vois, je t’entends mal. Je ne te vois plus, je t’entends bien. Regarder en face quelqu’un qui nous parle et entendre les sons émanants d’une œuvre sonore à l’autre bout de la pièce. Déstabilisant.

Le dialogue communément pratiqué en face à face, n’a ici plus lieu d’être. Trop direct, il perd son intérêt. L’oreille s’émoustille à présent de discussions chuchotées ou lointaines. Magique.

Sentiment d’immersion dans des conversations qui ne veulent pas de nous et qui pourtant nous appellent. Immersion dans des ambiances sonores qui ne se situent pas où notre corps se dresse. Se faufiler, déambuler, tout écouter, être intrusif, ne plus entendre ses pas, flotter et rebondir sur de nouveaux sons. Se sentir léger et petit, avoir la sensation d’être discret. Petit oubli : tout le monde nous regarde ; l’extension ajoutée aux oreilles a fait doubler la tête de volume. Paradoxe.

Don d’ubiquité

Il s’applique ici au son.
Notre corps est physiquement présent à un seul endroit à la fois. Ce sont les sons, provenants  à nos oreilles de distances et de lieux différents, qui nous font ressentir cette sensation d’omniprésence. L’espace de déambulation accueille une variété de sonorités inhérentes à l’ambiance du lieux et des autres œuvres. Les sons graves étant plus difficiles à localiser que les sons aigüs, ils amplifient la perte de repères et la sensation d’ubiquité. Les oreilles transportent le corps.

Schizo

Pouvoir tout entendre ou presque. Puissant. Qui me parle ? Est-ce toi qui bouge tes lèvres ou est-ce le ronronnement d’un mécanisme en action deux étages plus bas ? Peut importe, quand bien même tu me parlerais, je n’entends pas que toi.

J’ai des oreilles sur mes oreilles et sur les oreilles de mes oreilles. Ce n’est pas clair ? Plus rien ne l’est. Assailli par des sons et des voix provenants de tous côtés, les oreilles vibrent.
La tête est habitée. Nous sommes plusieurs.

Crédits Photo : © Cassandra Ribotti