http://www.cokonrads.de/situ/gate.html

For the first impression of above-mentioned installation, I just see some floating stones. And I think the artist wants to show some unbelievable scenes from fiction movies purely. I would say people in reality can feel what characters feel in movies after appreciating this installation, which named “the gate”, created in 2004.

This mind-bending site-specific installation was created by a German land artist Cornelia Konrads. The Gate is mysterious, sometimes I do not know why I love it. But I think I am not just attracted by its amazing exterior but also its inner charms. Konrads makes use of material from the nature to build up “the gate”. Thousands of pieces of rock were connected by several steel ropes. It is almost camouflaged by the surrounding woodlands. I love the sense of harmony. Indeed, the most attractive feature of this installation should be the illusion of denying gravity and the violation of Newton’s law. When you get close to the pillar, you may just see several steel bars link pieces of rocks. But when you view it in distant place, a magical phenomenon appears before your real eyes. Those heavy rocks appear to be floated in mid-air individually. They never drop off. She uses her hand and some normal tools to generate a weightless space.

In my opinion, “the gate” also symbolized the memories of different times. Recalling my impression towards this installation, I do not recognize this is a gate directly. What we can see is two pillars stand in on both side of a path.

 But I should pay attention to a special part of this installation. I can see that sizes of rocks at the top of two spillers are getting smaller, because Konrads capture a moment when stones are dissolving. I am not sure whether stones are flying up or falling down. I certainly consent that the upper part of the gate is conveyed to another unknown space and become a legend in that space. Perhaps the existing part is actually from past or future. Although it just a suspend scene of the whole process, it already can make viewers feel that all these rocks are changing. Furthermore, I can get an illusion that I likely go to other spaces or times and images from other times pop up in my mind once I go through this gate. A gate and a path can establish a time machine.

Why she set up this installation in a forest? In my opinion that is because everything in nature is different, we do not know whether they all from a same space. Nature can conveniently be separated by just a gate, especially a gate made of stones.

Every elements of this installation can be combined harmoniously. Konrads is creation an illusion of interlacing space and time. Thu, this is not just a standstill gate, this is an entrance to other space and I can say this is a hub of time travel.

Time of Doubles: Flux is one of the version of their Artificial Nature series which is a research project and an evolving art installation since 2008. It is an immersive interactive art installation, which consist of stereoscopic projection with an arc- shaped screen, 3D depth camera sensing, and a surround array of active loudspeakers. And it aims to let audiences to experience mirror existences.

There are different creatures on the screen, such as small green balls are protists (they look like frog somehow), long transparent snake-like life-forms in blue are bigger marine animals, and orange particle of sun are humans. All of these elements are formed a food chain and imitated ecosystem.

Fig.1. Stereoscopic projection with an arc- shaped screen.

Fig.2. A picture consist of small green balls, snake-like life-forms and particle of sun.

It is just like a mirror, a mirror presents a horizontal world which contain human and creatures. Although all are not live in the same space, they affected each other.

Here is a video shows how the presence of human affects the corresponding world:
click here → How they work

When a man stands in front of the screen, he is providing eaten resource and will attract protists come to absorb the energy as their food. Then, the bigger marine animals come to eat the protists. But the provided energy is depends on how many people are there, the more people present, the more sources for the creature. (fig.3)

(fig.3)

For the meaning of this art work, it is about natural theory, which is interesting and meaningful.

First of all, it represents the jungle law which is the weak are the prey of the strong. During the process, whenever the snake-like life-forms pass through, the number of protist is decreased in those areas. That means the bigger size you have, the bigger right you have. Although it looks harsh, however this is what we call JUNGLE RULE in reality.

Besides, I think the art work talk about the relationship between nature, technology and art which is the main purpose why the two creators make this art work out. Since they think that these elements could be combined, as well as is artists’ responsibility to combine these elements together through different art formats, citizens can live with nature without leave the city and reduce their time spend on transportation. Therefore audiences can work with the evolving in a few minutes and in the city.

On the other hands, it means that audiences can make a great effort on evolution of organisms. In this art work, after the organisms have eaten food from the humans, speed of growing is increased rapidly. The protists will have four legs, that is why it looks like frog somehow. Back to the world we are living, what have humans done also make a great impact on organisms. For examples, hunters kill animals to extract their blood, fur and organ, which diminish the amount of extinct species; and countries destroy rainforest to gain land and wooden for selling, this action ruin species’ habitat. The most obvious evidence is the global warming. Not only human affected by the climate changes, but also species. With the impact, they can do nothing but adapt the changes of environment. Is their responsibility to bear the impact? NO. At least they know how to respect the nature and well use of resources.

So, is it high time we have to reflect ourselves and the relationship between nature and human? Time of Doubles: Flux might give us some hints.

What do you consider about the relationship between you and nature?

Cui Fei, a Chinese artist who moved to New York City to pursue her artistic career. She usually like to use many natural materials produces her installations.
Miss. Cui developed a solid foundation in a wide variety of media, including drawing, painting, sculpture and calligraphy. Her artworks always using calligraphy and natural materials to evoke the relationship of human and nature. Both the concept of nature in her Chinese heritage, which emphasizes the interconnectedness of all beings, and the Western theory of Transculture, which stresses living beyond the limitations of any particular culture, offer her a unique vision to view the relationships between cultural differences; between culture and nature; and between nature and human beings

She has made the series of Manuscript of Nature installations. The most impressive are the Fourth and Fifth.

Manuscript of Nature V: She uses Chinese Characters as a way to express the relationship between human and the nature. Emphasizing the important of nature has the huge impact of our life and culture. Using Calligraphy, writing and meaning in a very unusual way.

The shapes of the characters are using computer design and print them out and transfer the image onto the platform fill with sand. To my view, these characters look like inscriptions on bones, the language of original natives (with an elegant way). Every character has a similar spatial distance. Branches with thicker as the main body and slimmer as the ramification. Using wood, branches to make characters, but there are no meaning of every characters. It may want to show that the soundless message from nature. Nature itself is already a language. Different countries and regions have their own languages and cultures. Difference may create barrier between people and people. However, Nature is the media that can relate all of us from different race, different background and countries into one union.

Manuscript of Nature IV: The piece of using seeds pretend as Braille, as a viewer, It seems to bring out the message that nature is not only for sight-seeing, but human and nature can be connected by touching and feeling. People and nature is interactive which is not unidirectional.
According what she has done and said in interview, I analyze she sees nature as consistent and ordered, thus providing a therapeutic agent for healing and harmony in an otherwise chaotic world. She utilize materials found in nature, such as tendrils, leaves and thorns composing a manuscript symbolizing the voiceless messages in nature that are waiting to bediscovered and to be heard.

After appreciated her works, it shows that nature and human is inseparable. Nature creates us, creates our culture, build up our relationship and helps us develop. At the same time, we develop nature as well. We can touch and feel them in every daily life. We are connected with each other in a very invisible but close relationship, but the only thing is we don’t recognize it and discover the messages in nature.

Language is a way to let people understand nature. However, is it the probable way for us to get a higher understanding of nature through decoding (e.g. words/language) or giving a shape for it that we know?

]]> https://benayoun.com/openartblog/?feed=rss2&p=3072 0 https://benayoun.com/openartblog/?p=3066 https://benayoun.com/openartblog/?p=3066#comments Thu, 13 Dec 2012 13:11:06 +0000 LEE Wing Tung http://openartblog.net/?p=3066 Continuer la lecture →]]> “If I wrote you a love letter would you write back?” (And thousands of other questions).
Sound and network installation by Helen Pritchard and Winnie Soon, 2012.

This artwork has been shown in the Microwave International New Media Arts Festival 2012. The exhibition area is rectangular and a white rectangular chair is at the middle of the area. When I first stepped in the exhibition area, a lot of earphones hanged on the wall. The headphones are wireless. Thus, the audience can seat on the white rectangular chair and using the headphone listen the audiotape. While I put on the earphone and listen to the tape, a lot of text message can be heard. When I listened the audio thoroughly, I found that all the content of the audio are about love and some speeches are not human voice. I also found that all of the audio didn’t repeated when I switched to another earphone. The speeches are continuous and non-stop.

It stated that the artwork had used computational code to generate the sound that is about love. The sound that you heard from the earphone was generated by human, non-human and distributed. The speeches are gathered in real-time from social network Twitter and it has encoded to speeches. There are millions of questions collected from this social network Twitter. Those questions are all about Love.

The installation has a several wireless earphone connected to the server via Bluetooth. The sounds are search and gathered in real time by API.

This artwork is interesting by the fact that the artist brings all the questions about love into the exhibition area by audition. The text messages were collected from the social network and instantly converted to audio. The text messages collected are all about “Love”. We see this kind of love message on the social networking website ordinarily, which are very familiar to us. Now it is translated to audio and we can have different feeling about the love messages.

However, when the audience worn the earphone and listen to the speeches, they can heard a lot of words. The speeches were never stopped and played continuously; the audience will not know when the sentence will stop. If they were not concentrated on listening the speeches, they may not know the text message are about love. Because the text message collected haven’t filtered by the artist. Some of the text message may be not about the theme “Love” because the messages are collected from Internet using API. Furthermore, They even don’t know the audio messages are collected from Twitter in real time without reading the artist statement.

There is another artwork in the same exhibition. The artwork is LOVELETTERS_1.0. MUC=RESURRECTION by David Link from 2009. It’s the first generator of love letter. The main idea of this artwork want to express is very similar to the “If I wrote you a love letter would you write back?”. But the way they use to present is different. This artwork presents the love letter in text form. The love message will be represent on a paper. In this artwork, visitors can input their name into the machine. Then, their name will be a part of the love letter. This can increase the interactivity between the work and the users. It is the difference from these two artwork.

Reference: http://microwavefest.net/festival2012/#!/if_i_wrote_as

Matthew Barney, born in 1967, is a famous American artist who works in sculpture, photography, drawing and film. He firstly studied in Department of Medicine in the university and then transferred to the Department of Fine Arts in year 2. Even so, his short-term medical background still have a profound impact of his work.

His first work is called “Drawing Restraint” and then started this artwork of « The Cremaster Cycle » from 1994 to 2002. The « Cremaster Cycle (the Cremaster series) » is consisting of five feature-length films that explore processes of creation.

Some regarded « The Cremaster Cycle » as the scale of today’s work and funding the largest experimental film. It is published in 2003 by The Guggenheim Museum. And it can be said that this artwork is the best-known work of American visual artist.

  Cremaster 1 (1996)                  

 Cremaster 2 (1999)

    Cremaster 3 (2002)   

   Cremaster 4 (1995)  

   Cremaster 5 (1997)

« The Cremaster Cycle » is a series of avant-garde films created over a period of eight years by Barney which focus in part on his sculpture and installation pieces. Its conceptual departure point is the male cremaster muscle, which controls testicular contractions in response to external stimuli.

The content of the project is rife with anatomical allusions to the position of the reproductive organs during the embryonic process of sexual differentiation. Barney present the existence of human with his medical background that the fate of human sorrow begin when gender differentiation appear.

He want to present the endless loop of fate of human sorrow from their instinct.The Cremaster 1 represents the most « ascended » or undifferentiated state and Cremaster 5 represent the most « descended » or differentiated.

Among the five films, my favourite one is “The Cremaster 1”. Therefore, I would like to forcus on “The Cremaster 1” in my report. It is talking about three interrelated themes – the landscape as witness, the story of Gilmore, and the life of bees – that metaphorically describe the potential of moving backward in order to escape one’s destiny.

The film depicts a murder of a Mormon gas station attendant in both sculptural and dramatic forms. It isInferred that the murderer killed out of a longing for union with his girlfriend.

The film starts from a dream with a silver saddle opening slowly, Matthew Barney move the dream to the myth of the American West. This film regard a American famour murder as a center, with random jump in the time axis including the house of the murderer’s grandparents, a group of cowboy on ice sheets. Matthew Barney plays the role of the murderer in the film.

CREMASTER 2 is rendered as a gothic Western that introduces conflict into the system. On the biological level it corresponds to the phase of fetal development during which sexual division begins. It shows that Matthew Barney want to apply his medical knowledge to the artwork.

In Matthew Barney’s abstraction of this process, the system resists partition and tries to remain in the state of equilibrium imagined in Cremaster 1. I think Matthew Barney would like to embodies this regressive impulse through its looping narrative in Cremaster 2.

Barney looked beyond biology as a way to explore the creation of form, employing narrative models from other realms, such as biography, mythology, and geology. The photographs, drawings, and sculptures radiate outward from the narrative core of each film installment. His concentration in sculpture is accentuated by his use of video. Barney uses video to perfect his sculpture by evaluating positioning, lighting, size and shape.

Moreover, this film is related to many sculptures, photographs, drawings, and artist’s books. Besides, the part of soundtracks of this film is composed by Jonathan Bepler (A Singer).

Above are some of the sculptures or artwork showed in Cremaster 2.

I was surprise when I first saw the film. The artwork-CREMASTER impress me so much and I never think about a artwork showing in a film with content. Barney used video as a means to his end product of sculpture. I think this idea is wise and special. It is easily to put a strong impression to viewers’ mind.

In CREMASTER 2, I especially like the part that a group of cowboy transform the vast ice sheets on a variety of formations, lined up like intentionally and unintentionally spectacular pattern. Barney seem want to express that the veneration of the American myth, ridicule or sigh.

Although Barney’s artworks are full of sex and violence, it really express the truth that human’s sorrow do all from the those human instinct. Therefore it is a necessary component in the film though I was little scared when watching CREMASTER 2.

Actually, to entirely understand what Barney want to express in his artwork, that is impossible to me. Some content I understanded after research. However, in my opinion, what message or feeling we can get from those unexplained image impacting our vision and heart is important than the exact meaning of the artwork. It is because sometime I can get a windfall when admiring a artwork subjectively.

In a word, CREMASTER is a impressive contemporary artwork to attract people to think, not to admire purely. Those figures and other clue showed in the film do attract me to know about Barney’s expression.

]]> https://benayoun.com/openartblog/?feed=rss2&p=2539 0 https://benayoun.com/openartblog/?p=2178 https://benayoun.com/openartblog/?p=2178#comments Thu, 24 May 2012 09:05:33 +0000 Aurélie Lefebvre http://openartblog.net/?p=2178 Continuer la lecture →]]> Pleix, collectif français, présentait à la Gaîté Lyrique neuf œuvres, pour montrer un avenir possible de notre monde. Hybrid est tournée vers la cause animale, tandis que les autres « décrivent la solitude de l’être humain et rallient la surconsommation » comme le décrit le collectif ^[1].

Hot Spot et Paradise, des questions sur l’avenir de la planète

Ces œuvres ont pour but de dénoncer la façon dont l’homme vit et prend du plaisir, sans se poser de questions sur l’avenir de sa planète. L’écologie est un thème de plus en plus médiatisé, également présent lors de campagne présidentielle. Hot Spot et Paradise, deux installations, lient aspect démographique et bonheur des hommes. La première est une vidéo, où défilent en continue des voitures roulant sur un col. On est scotché dessus à l’instar des publicités télévisées. On n’apprend rien dessus que l’on ne connaît déjà mais on s’en souvient. Les artistes nous montrent le trafic futur de la route des vacances et, une fois arrivé à destination, Paradise donne peu envie d’aller faire du pédalo dans les Gorges du Verdon du fait de la surpopulation. La nature est envahie par l’homme qui laisse peu de place à la sérénité et au calme.

Les artistes veulent-ils amener les visiteurs à se questionner sur la présence des hommes dans le monde futur ? Souhaitent-ils montrer l’impact de l’homme dans l’environnement et quels en seraient ces effets ? Pleix n’est pas un collectif engagé écologiquement ou qui se réclame de tout autre parti, il pointe du doigt le monde actuel tel qu’il est en train devenir, si rien ne se fait pour empêcher un futur désastre. On remarque que l’aspect démographique pose un sérieux problème, mais que les hommes ne s’en rendent pas compte. Ainsi, les artistes ont opté pour l’aspect idyllique, voire absurde, des scènes par le biais du soleil, de la quiétude des personnes comme si ce tableau était habituel. L’homme réagit lentement face à son avenir ^[2]. Ou devient-il docile ?

Hybrid, l’œuvre interactive

L’interactivité dans ce projet se trouve uniquement dans l’œuvre Hybrid. Celle-ci met en scène des animaux paisibles et calmes, qui se mettent à délirer dès qu’une personne physique s’approche de l’écran. D’après le collectif, l’interactivité permet d’ajouter le ludique tout en apportant de la légèreté dans ce monde brutal.

Pourquoi ce nom ? Pour Pleix, Hybrid signifie une sorte de révolte des animaux, car il leur semble que même si les humains respectent les animaux en les soignant, les cajolant, ils se servent d’eux pour leur plaisir et les exploiter par la suite (traitement de santé, nourriture…) ^[3]. Est-ce là une dénonciation de la cause animale ? Pleix ne veut pas se positionner dans la protection des animaux, mais désire «signifier un fait sur notre planète l’animal est, en général, mal traité ! » L’animal subit la présence de l’homme depuis des siècles, certaines espèces ont disparu à cause de sa chasse intensive. Le tigre de Tasmanie en est un exemple.

© Pleix - Hybrid

L’animal semble incapable de se défendre face à son pire ennemi : l’homme. « On perçoit très logiquement une certaine injustice en constatant cette situation dramatique » ^[4]. L’œuvre est présentée selon l’idée suivante, si les animaux décidaient de se rebeller et de prendre leur revanche, qu’arriverait-il alors? Cet aspect a déjà été abordé en littérature, notamment par Georges Orwell dans La Ferme des Animaux. Ces derniers se révoltent contre leur fermier M. Jones, le chassent et prennent le pouvoir de la ferme. Les cochons s’auto-proclament « chefs » de la ferme et utilisent leur intelligence supérieure pour manipuler les craintes des autres animaux et modifier le passé à leur avantage. Grâce à la métaphore des animaux, cet apologue publié en 1945 dénonçait en réalité le stalinisme. Même si les animaux ont effrayé l’homme car il les maltraitait, ceux-ci n’en ont pas moins répété le même schéma, en infériorisant les animaux les plus faibles mentalement. On peut également citer comme exemple La Planète des singes de Pierre Boule, roman de science-fiction écrit en 1963, au sein duquel l’homme est réduit en une race inférieure. L’évolution naturelle ne place pas l’homme en tête des espèces vivantes, le singe est devenu l’espèce prédominante ^[5]. Les singes se comportent avec les humains comme actuellement les humains se comportent avec eux et les animaux en général.

© Pleix - Hybrid

Pleix a voulu imaginer une autre forme de rébellion des animaux. Un jour, les animaux affaiblis, exploités, meurtris, pourraient prendre leur revanche face à l’homme. Cela pourrait passer par un côté sournois, en attirant l’homme avec douceur, platitude, innocence, puis, une fois l’homme en confiance, les animaux pourraient l’effrayer, se muant en combattants. Ils montreraient leurs dents, cornes, masques, armes ^[6], tout en générant des sons humains, afin de montrer leur humanité. Ainsi, l’homme se rendrait compte « que la peur a changé de camp, ils n’ont qu’à froncer les sourcils pour nous faire obéir » ^[7].

© Pleix - Hybrid

Le travail de Pleix ne se concentre pas seulement sur le côté prise de conscience de l’homme au sujet de son empreinte sur la terre (démographie, animaux). En effet, des oeuvres et des vidéos à caractère commercial, telles de célèbres marques de voiture, sont visibles sur leur site Internet http://pleix.net/.

© Crédit photos Pleix

[1] Texte du livret de l’exposition 2062 à la Gaîté Lyrique

[2] Echanges d’emails avec les artistes du collectif Pleix (avril 2012)

[3] Echanges d’emails avec les artistes du collectif Pleix (avril 2012)

[4] Echanges d’emails avec les artistes du collectif Pleix (avril 2012)

[5] Philippe Clermont, Darwinisme et littérature de science-fiction, Editions L’Harmattan, 2011, page 239

[6] Echanges d’emails avec les artistes du collectif Pleix (avril 2012)

[7] Echanges d’emails avec les artistes du collectif Pleix (avril 2012)

Qui est Pierre Bastien ? Un musicien ? Un inventeur ? Un « décompositeur bruitiste » ? Un… enfant ?

Le Festival d’art numérique Exit, à Créteil, était cette année placé sous l’angle du Low Tech ou « basse technologie ». Une vingtaine d’installations étaient présentées, recréées avec les outils du passé. Bricolage, inventions fantasques, jeux de bois « à l’ancienne », il s’agissait d’opposer le low tech au high tech. Un mélange d’artisanat ludique, d’arts visuels et de numérique, un retour vers un passé qui imaginait naïvement notre futur, pour mieux dénoncer un présent trop technologique.

L’une des installations de l’exposition était celle de Pierre Bastien, L’Orchestre Mécanique. Avec lui, c’est surtout un grand bond dans le passé que l’on fait, un passé qui sent l’inventeur à monocle fou, minutieux, la poussière d’un atelier 1900. Il y a le bois, il y a ces minuscules mécanismes comme ceux des boîtes à musique, il y a un goût de pantin. Il y a comme une âme enfantine et curieuse. Dans l’œuvre de Pierre Bastien, il y a un rappel à cette tradition des automates. Un automate est un dispositif se comportant de façon automatique, sans intervention d’un être humain, conçu pour exécuter une séquence déterminée d’opérations de manière synchronisée. Il s’agit donc d’un objet programmé, doté d’une mémoire, qui reproduit le mouvement et les attitudes d’un être vivant. Pour exemple parmi les plus célèbres automates sonores, la Joueuse de tympanon, créée en 1780 et propriété de Marie-Antoinette. La poupée est capable de jouer huit morceaux de tympanon. Le cylindre à l’intérieur du corps de celle-ci actionne des cames (organes mécaniques jouant le rôle de mémoire et destinés à restituer un mouvement de translation ou de rotation). Dans la veine des inventions musicales géniales comme celles de Jacques de Vaucanson au 18^e siècle, Pierre Bastien se place à la fois en héritier et innovateur de cette mécanique devenue art.

L’Orchestre Mécanique, de Pierre Bastien, créé en 1986, est un orchestre de machines musicales, des instruments anciens et classiques qui s’animent mécaniquement, par un système de robotisation, plus précisément des robots fabriqués à base d’éléments de Meccano (un jeu de construction entièrement métallique) et activés par des moteurs électriques, souvent issus de vieux tourne-diques. Parmi ces instruments, des luths, un bendir marocain, un saron javanais, le koto japonais, un violon, un violoncelle… Ici, le processus mécanique est donné à voir pour lui-même. Prenons le violon : posé « debout » sur une structure métallique composée d’engrenages, l’archet, activé par une poulie, est placé devant l’instrument. Une fois la mécanique mise en route, l’archet commence sa danse automatique et répétitive, et fait naître les sons du violon au contact des cordes. Le tout est éclairé par une ampoule dissimulée au milieu de tout cet ensemble. Devant ce spectacle, on reste émerveillé, comme si tout cela s’adressait à l’enfant qui sommeille en chacun de nous.

Retour à Créteil.  L’orchestre est exposé, Pierre Bastien absent. D’autres fois, il joue avec son orchestre Mecanium, – même principe que L’Orchestre Mécanique – en solo ou avec des artistes comme Pierrick Sorin ou Robert Wyatt. Dans les années 1990, Mecanium inclut jusqu’à 80 machines-musiciens.

L’Orchestre Mécanique joue de courtes mélodies, en boucle. Quelque chose de méditatif et d’obsédant. L’émotion vient de la fascination que l’on ressent face à la perfection du mécanisme qui crée une répétitivité presque angoissante des mélodies. Faut-il y voir une référence au Mouvement des Pendules du compositeur minimaliste Steve Reich, qui utilise des pendules pour illustrer le processus de phasing ? Ce dernier consiste en la répétition infinie d’un court motif musical. Ces motifs se superposent les uns aux autres et se décalent graduellement. Chez Pierre Bastien, il y a cette idée de superposition de sons répétitifs nés mécaniquement, autant que de douce cacophonie purement orchestrée. Il s’agit de musique et pourtant ce n’est pas ce sur quoi se focalise notre attention. Un ou plusieurs instruments se mettent en marche, suivis par un autre, remplacé par un autre. Sur une durée d’environ 15 minutes, les 16 instruments de l’ensemble vont se succéder, faisant passer la mélodie d’un univers à l’autre. On est curieux de découvrir un nouvel instrument se mettre en marche, surpris par la façon dont il s’actionne. On a l’impression d’une humanisation de ces objets. Pourtant, n’est-on pas ici plutôt dans leur déshumanisation ? Ils semblent certes presque autonomes, mais veulent se passer des humains habituellement nécessaires à leur fonctionnement. Y’a-t-il donc derrière tout cela une remise en question de nos pratiques anciennes et usuelles ? Si la musique nous dépassait à tel point qu’elle pouvait finir par se passer de nous ? Et si elle était plus universelle que l’Homme ? Plus objectivement, ici, l’Homme reste indispensable, c’est un homme assembleur de pièces, le créateur invisible d’un ensemble d’automates mélodiques. D’ailleurs, Pierre Bastien le précise : « Je me suis aperçu que j’étais incapable de diriger des musiciens, de leur demander d’interpréter une ligne musicale. C’est donc presque naturellement que je me suis tourné vers les machines. ».

La polyphonie naît de cette mise en action de la production de sons multiples, dans un dispositif performatif. C’est ici le cœur de l’œuvre de Pierre Bastien. Il a crée un système processuel qui génère du son, c’est à dire un dispositif qui produit de la musique. On n’est alors pas en situation d’interprétation, comme dans un orchestre. Pourtant, dans un orchestre, les instrumentistes sont aussi la condition d’apparition de la musique. Et c’est effectivement ici la démarche de Pierre Bastien. Ses machines n’interprètent pas la musique, elles la génèrent. Même s’il repose sur des instruments réels, son système mécanique est la seule condition pour que naisse le son. En ce sens, il est orchestre.

Mais qu’en est-il de l’auteurat des mélodies ? Le chef d’orchestre n’est pas l’auteur, le compositeur, il est l’intermédiaire entre ces derniers et l’œuvre musicale. Pourtant, les mélodies de L’Orchestre Mécanique sont nécessairement pensées au préalable. Les décisions prises par Pierre Bastien pour organiser l’apparition des sons témoignent donc de sa place d’auteur. Alors Pierre Bastien n’est pas chef d’orchestre.

Quel discours rattacher à cette œuvre ? Est-il passéiste, nostalgique ? Préfigure-t-il une approche sensible à une époque où certains souhaitent une économie de moyens, un retour à la basse technologie qui semble vouloir répondre aux problématiques actuelles de la technologie pour mieux s’y opposer ?

Qui est Pierre Bastien ? Un musicien ? Un inventeur ? Un « décompositeur bruitiste » ? Un… enfant ?

Il est un homme qui utilise la machine comme extension de lui-même, l’inventeur d’un langage musical, assurément.

Crédits photos : Cassandra Ribotti

À l’écoute des sons étranges, on essaye d’imaginer quel instrument peut produire cette « espèce » de musique. On peut deviner un ou deux, voire trois instruments possibles et on a l’idée que, ce son qu’on écoute, est l’ensemble de plusieurs instruments rarement combinés. Si on est attentifs à la musique,  quelque fois on peut y arriver presque à entendre et toucher l’orchestre. Ceci apparaît alors comme quelque chose de fou, joué par des artistes qui se sont placés dans le scénario très sérieusement  avec le regard perdu. On les voie, iIls semblent beaucoup s‘amuser intérieurement de leur collaboration ludique et dans la création d’un rêve sonore.

Engins/Instrument présenté à l'expo EXIT - Low Tech / Photo W. Aparicio

Mais qu’est-ce que le Mecanium et qui est Monsieur Bastien?

Mecanium est un ensemble d’instruments recyclés, de moteurs et de pièces de métal. Ils peuvent  aussi bien être dans une installation d’art en train de jouer tous seuls mais peuvent aussi bien être dans un concert « programmé » pour le chef d’orchestre Pierre Bastien, qui est aussi le createur des engins. Pierre Bastien lui-même jouera avec eux pour intégrer l’orchestre et donner un sens divertissant à la collaboration entre machines et humains.

On peut citer l’exemple de l’installation des engins musicaux dans l’exposition Low Tech du festival EXIT à la Maison des Arts de Créteil, dans lequel on a pu voir plusieurs automates de Bastien, qui, dans un endroit un peu caché et obscur, on fait part de la magie du Festival.

On peut dire de cette installation, qui a été le seul ensemble d’engins/instruments qui n’ont cessé de jouer pour divertir les visiteurs. Même si tous les autres engins ne se sont pas arrêtés de bouger lors de l’exposition, les engins/instruments de Bastien ont eu la particularité du mouvement accompagné par la grâce du son qui développe une atmosphère tout à fait féerique, qui est très touchante en regardant le travail de bricolage minutieux et amoureux que l’artiste a consaré à sa construction.

Festival EXIT - Low Tech 2012 / Photo W. Aparicio

Si vous avez la chance d’aller à un concert de Pierre Bastien et son orchestre Mecanium ou s’il y a la possibilité de voir une installation de ses engins, ne laissez pas passer l’opportunité. Vous serez fortement surpris par la poésie des petits éléments quelque fois oubliés dans les caves et des sons spatiales de ces merveilleux automates musicaux et de leur maître.

Nicky Assmann est une jeune artiste hollandaise qui s’est formée à l’Académie Royale des Arts de la Hague dans la section sciences et art. Au cours de ses études, elle s’intéresse au rapport entre le corps, les objets et l’espace provoqué particulièrement par les différents états physiques du savon. Dès lors, elle commence à expérimenter et projeter cette matière dans des installations lumineuses. En 2010, elle présente Between Shadow and Reflection qui met en scène des bulles et de la mousse de savon qui crée des motifs graphiques et des paysages. Cette base de recherche qui repose sur la reflection, la couleur et la lumière du savon ont guidé l’artiste à concevoir l’installation Solace dans le cadre de son projet de fin d’études. L’installation recevra le StartpointPrize en 2011 qui récompense les talents émergents des écoles d’art européennes.

Solace, a soap film apparatus est une installation cinétique conçue par l’artiste comme un moment de contemplation et de détente. Deux bulles de savon s’élèvent sous la forme d’écran et s’évaporent à intervalle régulier. L’élévation progressive du film provoque un étirement de couleurs iridescentes et s’évaporent pour donner naissance à une autre palette. Ce phénomène crée un effet de miroir qui renvoit l’image du spectateur et celle d’une réalité déformée. Le corps est ainsi absorbé par l’effet iridescent et hypnotique de la bulle.

Installation en marche , photos de Christiaan van Doesburg

De plus, le visiteur se laisse bercer par la cadence du dispositif, régie par un mécanisme de deux tiges en aluminium qui s’imbibent dans un liquide savonneux. Le mouvement répétitif des tubes s’orchestrent de façon alternative et crée une sorte de chorégraphie. Le système est alors interrompu par l’extinction soudaine des projecteurs qui plongent la pièce dans l’obscurité. Par conséquent, les écrans deviennent transparents et les films de savon se retrouvent projetés sur les murs de la pièce. On assiste donc à un spectacle de couleurs qui vibrent du sol au plafond. Cette projection donne corps à l’espace durant une courte durée avant de revenir au dispositif initial.

En outre, Le corps du spectateur est confronté aux écrans de savons sur deux plans distincts. D’une part, le visiteur se trouve face à la bulle lorsque la pièce est lumineuse et de l’autre au centre de celle-ci lorque l’espace tombe dans l’obscurité. Ce changement de luminosité modifie l’état du savon, immerge le spectateur dans la bulle et crée l’interaction. Le savon est donc à la fois un film physique, un tableau dans lequel on perçoit des paysages colorés, un miroir mais aussi un écran de projection. Cette transposition d’écran apporte une dimension spectaculaire et expérimentale à l’installation.

Les questions qui se posent sont alors les suivantes : « Manque-t-il un sens à tout ces mécanismes ? S’agit-il simplement d’une expérience sur la lumière et la réflection du savon ?

En 2004, l’installation « Tension superficielle » d’Elise Mougin, exposée dans les locaux de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs nous montre la projection d’un oeil fermé sur un film de savon qui éclate. Dans ce cas, l’artiste utilise le caractère éphémère de la bulle pour servir un propos personnel. À l’inverse, Nicky Assmann expérimente les caractéristiques chimiques de la matière pour créer une interaction dans l’espace. Le spectateur est ainsi confronté physiquement à l’oeuvre et se laisse transporté sur différents plans de la pièce. Par conséquent, cette expérience s’impose au spectateur comme une brèche temporelle. Elle altère notre vision de la réalité et modifie l’aspect de l’espace environnant.

C’est pourquoi, le principe interactif de l’oeuvre repose sur les réactions physiques de la matière mais aussi sur la notion d’instantané. Le mécanisme des tubes crée de façon aléatoire des couleurs, un type de projection qui varie selon les conditions physiques de la pièce et du nombre de visiteurs à un certain moment. C’est donc la confrontation entre le spectateur et le film de savon, à un instant donné, que l’oeuvre devient une expérience unique et personnelle. Chaque visiteur influe sur l’installation et génère de nouvelles images sur les écrans de savon .

Enfin, Nicky assmann s’inscrit parfaitement dans la thématique générale de l’exposition dite « low tech ». Un mouvement artistique qui revendique le retour à l’usage de techniques simples pour créer de l’interactivité. C’est ainsi que Solace est une oeuvre qui appartient à cette mouvance actuelle et reussi à nous projeter dans un espace vibrant et éphémère.

Camille Rayssac.

Lien vers la vidéo de l’installation « Solace a soap film apparatus »

Machine à mesurer le vol d'un oiseau, Étienne-Jules Marey

Né en 1947 aux États Unis, Bernie Lubell a l’habitude de commencer ses interviews en avouant une très grande influence du physiologiste français Étienne-Jules Marey (1830–1904). Marey est connu surtout pour ses photographies à multiples expositions de mouvements de personnes et d’animaux, mais c’est un autre côté de son travail qui a inspiré Lubell. En parallèle avec les fameuses images, Marey avait développé d’autres moyens pour capturer les mouvements des corps et les codifier, souvent à l’aide d’appareils pneumatiques et feuilles roulantes de papier sur lesquelles s’inscrivaient les données codifiées de processus tels que les battements du cœur humain ou le vol d’un oiseau.

Les œuvres de Lubell sont des systèmes complexes et intrigants dont le fonctionnement un peu mystérieux fait penser aux machines à vapeur de la révolution industrielle ; cependant, leur fabrication entièrement en bois évoque un temps ou même un univers complètement différent, «  une civilisation qui n’aurait pas réussi à découvrir comment travailler le métal, qui n’aurait pas réussi à découvrir l’électricité mais aurait quand même découvert comment faire des machines  ».¹

Les six oeuvres de Bernie Lubell présentes dans l’exposition LowTech étaient Aphasiogram, Cheek to Cheek, Making a point of inflexion, … And the synapse sweetly singing », Party of the first part et Prerequisite.

Aphasiogram, de Bernie Lubell (Photo C. Rayssac)

Aphasiogram est l’oeuvre la plus directement liée au travail d’Étienne-Jules Marey. Le titre de l’œuvre fait référence à l’aphasie, un trouble psychologique qui entame l’incapacité partiale ou totale de parler. Cette installation est donc une machine à enregistrer ce qui ne peut pas être dit par le langage, le registre de l’inexprimable / l’indicible.

Le participant doit tracer sa trajectoire vers le paradis en choisissant des mots sur une liste proposée par l’artiste. Il commence par encercler un mot qui décrit sa situation actuelle et connecte les mots qui l’emmènent au dernier mot choisi, celui qui représente sa vision du paradis et qui doit être entouré d’un rectangle. Pendant cette activité, un pantographe pneumatique copie les mouvements effectués par le participant et reproduit leur tracé sur une feuille blanche posée sur une autre table.

L’installation crée un registre des réponses des visiteurs mais, comme dans les machines de Marey, la forme enregistrée n’est pas facilement lisible et interprétable. Pourtant, après avoir complété le questionnaire, personne ne peut s’empêcher d’analyser le tracé qui en résulte, et même de le comparer aux résultats des participants précédents. On se demande si peut-être ces traces révèlent quelque chose de très intime, si les gribouillis produits par la machine ne sont pas une langue sécrète lisible par quelqu’un à qui on vient de révéler les secrets de notre âme.

Cheek to Cheek, de Bernie Lubell (Photo C. Rayssac)

Dans Cheek to cheek le participant est invité à mettre un casque et s’asseoir sur un tabouret. Une fois en position, tout mouvement réalisé par ses fesses sur le tabouret est transféré pneumatiquement par le casque vers ses joues. En partant d’un jeu de mot (cheek, en anglais, peut signifier joue ou fesses) Lubell crée une expérience simple et curieuse – faire un massage à soi même – qui produit dans le participant un mélange de plaisir et d’embarras. Comme résultat, beaucoup ont des fous rires², ils cassent le silence des galeries et attirent l’attention des autres visiteurs, « mais c’est tellement bon, qu’on ne se gêne pas d’être ridicule ».³

La dimension sensuelle de Cheek to cheek est présente aussi dans « Making a point of inflexion ». Dans cette installation, deux participants sont séparés par une barrière de latex pleine d’air et doivent essayer de toucher la personne de l’autre coté. En toute relation, il y a toujours quelque chose au milieu, dit l’artiste.

La sensualité évidente de l’œuvre – il faut toucher d’autres personnes – est renforcée par la présence d’un matériel que la plupart des gens associeront aux préservatifs et donc au rapport sexuel.

Mais l’installation va peut-être plus loin que le sexe seul. La barrière de latex est élastique, elle s’adapte à nos mouvements, mais pas complètement : on peut sentir l’autre mais avec des limites. Et encore, il y a en fait deux barrières, avec de l’air au milieu. On ne touche pas la même chose de chaque coté: il y a toujours des couches multiples qui séparent les individus.

Prerequisite est un puzzle où le participant doit manipuler des leviers et des manivelles numérotés pour faire en sorte qu’un petit disque en bois traverse un chemin initialement bloqué.

Pour réussir, il faut soit travailler à deux, pour pouvoir faire plusieurs mouvement simultanément, soit « tricher » en utilisant un premier disque pour bloquer un des leviers dans la position ouverte (curieusement, ce disque doit être obtenu auprès du médiateur d’exposition ce qui caractérise aussi un travail collaboratif). Si l’ordre qui figure sur les leviers fait penser au titre – faire l’étape numéro 1 est une condition préalable pour faire la numéro 2 –, on pourrait aussi dire que les participants sont des conditions préalables les uns pour les autres dans le jeu : il est impossible de réussir tout seul.

... And the synapse sweetly singing, de Bernie Lubell (Photo C. Rayssac)

Dans …And the synapse sweetly singing, le visiteur est confronté à un cercueil connecté par une myriade de fils métalliques à des haut parleurs en bois. L’allusion à la mort est très évidente, mais la description de cette oeuvre par l’artiste met en jeu une deuxième dimension: « Ce modèle du cerveau est un réseau de téléphones en boîtes de conserve qui permet à quelqu’un dans un cercueil de communiquer avec ceux laissés dehors  »⁴.

Pour faire fonctionner l’œuvre, un visiteur doit entrer dans le cercueil. Contrairement à un cercueil normal qui s’ouvre par le haut, ici le « mort » doit tourner un manivelle qui fait glisser lentement la base du cercueil vers la couverture, jusqu’à finalement s’enfermer à l’intérieur. Cette première démarche est déjà très caractéristique de l’artiste : pour tout événement à réaliser – même pour mourir – il y a une démarche, un travail à faire. Tout est processus, il n’y a rien qui se passe tout de suite, rapidement.

Une fois à l’intérieur, le « mort » et ceux à l’extérieur peuvent communiquer. La voix est transmise par les fils métalliques reliés aux haut-parleurs : la communication est difficile, le son est très faible et les mots sont presque incompréhensibles. Communiquer avec les morts n’est jamais facile, ainsi comme souvent le cerveau ne communique pas facilement avec le reste du corps et l’extérieur.

Party of the first part, de Bernie Lubell (Photo C. Ribotti)

L’autre œuvre aux grandes dimensions présentée dans l’exposition LowTech est Party of the first part. Cette grande machine, encore une fois totalement réalisée en bois, est composée d’un tapis roulant, d’un vélo et d’une tour centrale surmontée par une grande roue.

Rapidement et de manière intuitive, les visiteurs comprennent que leurs actions sur le tapis et le vélo font tourner la grande roue. Ensemble, ils se mettent à courir et à pédaler en même temps ; mais la vitesse de la roue ne répond pas vraiment à leur effort et ils commencent, instinctivement, à le faire de plus en plus fort, mais toujours sans résultat. C’est une expérience frustrante et qui fatigue très vite.

En fait, le mouvement de la grande roue est calculé par la différence entre la vitesse de celui qui pédale et celui qui court: plus les deux participants font d’efforts, moins ils réussissent. Dans l’exposition, après quelques secondes d’essai, le médiateur expliquait aux visiteurs ce fonctionnement, en disant qu’il fallait pédaler à l’inverse pour que la roue tourne.

Donner la « solution » au problème peut être gratifiant pour le participant, mais dévalorise l’expérience, car l’objectif de l’œuvre n’est pas de faire tourner la roue mais de vivre cette difficulté et faire la réflexion nécessaire, de chercher à comprendre le système mis en place et – peut être – de trouver la solution.

Plusieurs discours sont présents dans cette non-réussite : ce n’est pas parce que la solution semble évidente qu’elle l’est ; il ne suffit pas de réagir de manière instinctive et simpliste à ce qui nous est proposé par les structures du monde et même si on fait un grand effort, ce type d’action ne donne souvent aucun résultat. Dans les mots de Lubell: « En travaillant ensemble furieusement, rien ne s’accomplit »⁵.

Si les œuvres de Lubell – du moins individuellement – peuvent donner l’impression d’être calées sur des discours directs et même évidents, c’est parce que ces œuvres ne sont pas faites pour être regardés, analysées ou expliquées : le but de Lubell, dans l’ensemble de sa production, est de faire en sorte que l’interaction avec l’ œuvre positionne le visiteur dans des situations qui, peut-être, entreront dans cette accumulation d’expériences qui transforment sa perception du monde et ses relations avec les autres personnes. Les mots de l’artiste suffisent à tout résumer  :

« lorsqu’ils jouent avec mes installations, les participants touchent à un vaste réservoir de connaissances tactiles conservées dans leur corps. La sensation apportée par les pièces, leurs mouvements et leurs bruits quand on les balance, qu’on pédale et appuie sur elles, appliquent l’expérience kinésthétique de l’enfance aux efforts de la philosophie ».⁶