Qui est Pierre Bastien ? Un musicien ? Un inventeur ? Un « décompositeur bruitiste » ? Un… enfant ?

Le Festival d’art numérique Exit, à Créteil, était cette année placé sous l’angle du Low Tech ou « basse technologie ». Une vingtaine d’installations étaient présentées, recréées avec les outils du passé. Bricolage, inventions fantasques, jeux de bois « à l’ancienne », il s’agissait d’opposer le low tech au high tech. Un mélange d’artisanat ludique, d’arts visuels et de numérique, un retour vers un passé qui imaginait naïvement notre futur, pour mieux dénoncer un présent trop technologique.

L’une des installations de l’exposition était celle de Pierre Bastien, L’Orchestre Mécanique. Avec lui, c’est surtout un grand bond dans le passé que l’on fait, un passé qui sent l’inventeur à monocle fou, minutieux, la poussière d’un atelier 1900. Il y a le bois, il y a ces minuscules mécanismes comme ceux des boîtes à musique, il y a un goût de pantin. Il y a comme une âme enfantine et curieuse. Dans l’œuvre de Pierre Bastien, il y a un rappel à cette tradition des automates. Un automate est un dispositif se comportant de façon automatique, sans intervention d’un être humain, conçu pour exécuter une séquence déterminée d’opérations de manière synchronisée. Il s’agit donc d’un objet programmé, doté d’une mémoire, qui reproduit le mouvement et les attitudes d’un être vivant. Pour exemple parmi les plus célèbres automates sonores, la Joueuse de tympanon, créée en 1780 et propriété de Marie-Antoinette. La poupée est capable de jouer huit morceaux de tympanon. Le cylindre à l’intérieur du corps de celle-ci actionne des cames (organes mécaniques jouant le rôle de mémoire et destinés à restituer un mouvement de translation ou de rotation). Dans la veine des inventions musicales géniales comme celles de Jacques de Vaucanson au 18^e siècle, Pierre Bastien se place à la fois en héritier et innovateur de cette mécanique devenue art.

L’Orchestre Mécanique, de Pierre Bastien, créé en 1986, est un orchestre de machines musicales, des instruments anciens et classiques qui s’animent mécaniquement, par un système de robotisation, plus précisément des robots fabriqués à base d’éléments de Meccano (un jeu de construction entièrement métallique) et activés par des moteurs électriques, souvent issus de vieux tourne-diques. Parmi ces instruments, des luths, un bendir marocain, un saron javanais, le koto japonais, un violon, un violoncelle… Ici, le processus mécanique est donné à voir pour lui-même. Prenons le violon : posé « debout » sur une structure métallique composée d’engrenages, l’archet, activé par une poulie, est placé devant l’instrument. Une fois la mécanique mise en route, l’archet commence sa danse automatique et répétitive, et fait naître les sons du violon au contact des cordes. Le tout est éclairé par une ampoule dissimulée au milieu de tout cet ensemble. Devant ce spectacle, on reste émerveillé, comme si tout cela s’adressait à l’enfant qui sommeille en chacun de nous.

Retour à Créteil.  L’orchestre est exposé, Pierre Bastien absent. D’autres fois, il joue avec son orchestre Mecanium, – même principe que L’Orchestre Mécanique – en solo ou avec des artistes comme Pierrick Sorin ou Robert Wyatt. Dans les années 1990, Mecanium inclut jusqu’à 80 machines-musiciens.

L’Orchestre Mécanique joue de courtes mélodies, en boucle. Quelque chose de méditatif et d’obsédant. L’émotion vient de la fascination que l’on ressent face à la perfection du mécanisme qui crée une répétitivité presque angoissante des mélodies. Faut-il y voir une référence au Mouvement des Pendules du compositeur minimaliste Steve Reich, qui utilise des pendules pour illustrer le processus de phasing ? Ce dernier consiste en la répétition infinie d’un court motif musical. Ces motifs se superposent les uns aux autres et se décalent graduellement. Chez Pierre Bastien, il y a cette idée de superposition de sons répétitifs nés mécaniquement, autant que de douce cacophonie purement orchestrée. Il s’agit de musique et pourtant ce n’est pas ce sur quoi se focalise notre attention. Un ou plusieurs instruments se mettent en marche, suivis par un autre, remplacé par un autre. Sur une durée d’environ 15 minutes, les 16 instruments de l’ensemble vont se succéder, faisant passer la mélodie d’un univers à l’autre. On est curieux de découvrir un nouvel instrument se mettre en marche, surpris par la façon dont il s’actionne. On a l’impression d’une humanisation de ces objets. Pourtant, n’est-on pas ici plutôt dans leur déshumanisation ? Ils semblent certes presque autonomes, mais veulent se passer des humains habituellement nécessaires à leur fonctionnement. Y’a-t-il donc derrière tout cela une remise en question de nos pratiques anciennes et usuelles ? Si la musique nous dépassait à tel point qu’elle pouvait finir par se passer de nous ? Et si elle était plus universelle que l’Homme ? Plus objectivement, ici, l’Homme reste indispensable, c’est un homme assembleur de pièces, le créateur invisible d’un ensemble d’automates mélodiques. D’ailleurs, Pierre Bastien le précise : « Je me suis aperçu que j’étais incapable de diriger des musiciens, de leur demander d’interpréter une ligne musicale. C’est donc presque naturellement que je me suis tourné vers les machines. ».

La polyphonie naît de cette mise en action de la production de sons multiples, dans un dispositif performatif. C’est ici le cœur de l’œuvre de Pierre Bastien. Il a crée un système processuel qui génère du son, c’est à dire un dispositif qui produit de la musique. On n’est alors pas en situation d’interprétation, comme dans un orchestre. Pourtant, dans un orchestre, les instrumentistes sont aussi la condition d’apparition de la musique. Et c’est effectivement ici la démarche de Pierre Bastien. Ses machines n’interprètent pas la musique, elles la génèrent. Même s’il repose sur des instruments réels, son système mécanique est la seule condition pour que naisse le son. En ce sens, il est orchestre.

Mais qu’en est-il de l’auteurat des mélodies ? Le chef d’orchestre n’est pas l’auteur, le compositeur, il est l’intermédiaire entre ces derniers et l’œuvre musicale. Pourtant, les mélodies de L’Orchestre Mécanique sont nécessairement pensées au préalable. Les décisions prises par Pierre Bastien pour organiser l’apparition des sons témoignent donc de sa place d’auteur. Alors Pierre Bastien n’est pas chef d’orchestre.

Quel discours rattacher à cette œuvre ? Est-il passéiste, nostalgique ? Préfigure-t-il une approche sensible à une époque où certains souhaitent une économie de moyens, un retour à la basse technologie qui semble vouloir répondre aux problématiques actuelles de la technologie pour mieux s’y opposer ?

Qui est Pierre Bastien ? Un musicien ? Un inventeur ? Un « décompositeur bruitiste » ? Un… enfant ?

Il est un homme qui utilise la machine comme extension de lui-même, l’inventeur d’un langage musical, assurément.

Crédits photos : Cassandra Ribotti

Festival EXIT, Low Tech, Static, Maison des Arts de Créteil, 2012 (Ph. Florence Besançon)

Static est tout d’abord un grand panneau en suspension au milieu de l’espace d’exposition. Le visiteur, suivant le parcours de visite, passe involontairement à l’arrière de l’œuvre. Il doit en faire le tour pour s’approcher d’un disque fixé sur son socle. A première vue, le visiteur ne s’aperçoit pas tout de suite que cette petite roue est en train de tourner.

L’apparition des visiteurs venant par l’arrière de l’installation est étrange à la fois pour celui qui entre dans l’espace et pour celui qui est en train de regarder. Le passage du visiteur crée un trouble, une intrusion dans le champ du regard. Cela ne semble pas faire partie de l’installation et au contraire, on pourrait même penser que cette intrusion du visiteur perturbe la lisibilité. Etait-elle dans l’intention de l’auteur ou dans celle du commissaire de l’exposition ?

Festival EXIT, Low Tech, Static, Maison des Arts de Créteil, 2012 (Ph. Florence Besançon)

Devant le disque en rotation le visiteur s’attarde. Il découvre que le regard passant au travers du disque crée des opacités changeantes sur le panneau rectangulaire en suspension. Il joue avec cet effet inattendu.

Festival EXIT, Low Tech, Static, Maison des Arts de Créteil, 2012 (Ph. Florence Besançon)

En se rapprochant du panneau rectangulaire de 189 x 241 cm le visiteur découvre sur la surface de petits rectangles de 1cm2 qui se croisent, permettant à cette multitude de filtres

polarisés de créer des jeux delumièresirisées ne laissant passer la lumière quedans une direction précise. L’effet de transparence est ainsi déjoué selon que l’on regarde ce panneau plus ou moins près, de face ou sur le biais.

Le disque en rotation est fait du même matériau que le panneau rectangulaire : un filtre polarisant. Le visiteur est entrainé à regarder au travers, ce qui permet un jeu de transparence entre ces deux supports qui se superposent donnant l’impression que l’un révèle l’autre comme le développement d’une photographie qui ne ferait pas apparaitre la totalité de l’image. Seul le degré d’opacité se joue du regard qui perçoit alternativement un support lisse et un support bruité comme l’écran de télévision affichant la neige électronique qui suit la fin des programmes. Un effet électronique résolument sans électronique, définitivement « Low Tech » !

Cette installation cinétique que n’auraient pas reniée les Op Artistes de la première heure, forme en fait une œuvre sculpturale minimaliste esthétisant les matériaux aux propriétés sensibles qu’elle révèle.

Le travail de Wim Janssen tourne autour des supports liés à l’audiovisuel tout en les déjouant, comme le confirme « Continuization Loop » présentée dans cette même exposition. Mur de pellicule en mouvement formé par une série de bobine de film de 35 mm éclairée par derrière, les vignettes en noir ou transparent crée un effet visuel brouillé d’où l’image est absente.

Festival EXIT, Low Tech, Continuization Loop, Maison des Arts de Créteil, 2012 (Ph. Florence Besançon)

Festival EXIT, Low Tech, Continuization Loop, Maison des Arts de Créteil, 2012 (Ph. Florence Besançon)

À l’écoute des sons étranges, on essaye d’imaginer quel instrument peut produire cette « espèce » de musique. On peut deviner un ou deux, voire trois instruments possibles et on a l’idée que, ce son qu’on écoute, est l’ensemble de plusieurs instruments rarement combinés. Si on est attentifs à la musique,  quelque fois on peut y arriver presque à entendre et toucher l’orchestre. Ceci apparaît alors comme quelque chose de fou, joué par des artistes qui se sont placés dans le scénario très sérieusement  avec le regard perdu. On les voie, iIls semblent beaucoup s‘amuser intérieurement de leur collaboration ludique et dans la création d’un rêve sonore.

Engins/Instrument présenté à l'expo EXIT - Low Tech / Photo W. Aparicio

Mais qu’est-ce que le Mecanium et qui est Monsieur Bastien?

Mecanium est un ensemble d’instruments recyclés, de moteurs et de pièces de métal. Ils peuvent  aussi bien être dans une installation d’art en train de jouer tous seuls mais peuvent aussi bien être dans un concert « programmé » pour le chef d’orchestre Pierre Bastien, qui est aussi le createur des engins. Pierre Bastien lui-même jouera avec eux pour intégrer l’orchestre et donner un sens divertissant à la collaboration entre machines et humains.

On peut citer l’exemple de l’installation des engins musicaux dans l’exposition Low Tech du festival EXIT à la Maison des Arts de Créteil, dans lequel on a pu voir plusieurs automates de Bastien, qui, dans un endroit un peu caché et obscur, on fait part de la magie du Festival.

On peut dire de cette installation, qui a été le seul ensemble d’engins/instruments qui n’ont cessé de jouer pour divertir les visiteurs. Même si tous les autres engins ne se sont pas arrêtés de bouger lors de l’exposition, les engins/instruments de Bastien ont eu la particularité du mouvement accompagné par la grâce du son qui développe une atmosphère tout à fait féerique, qui est très touchante en regardant le travail de bricolage minutieux et amoureux que l’artiste a consaré à sa construction.

Festival EXIT - Low Tech 2012 / Photo W. Aparicio

Si vous avez la chance d’aller à un concert de Pierre Bastien et son orchestre Mecanium ou s’il y a la possibilité de voir une installation de ses engins, ne laissez pas passer l’opportunité. Vous serez fortement surpris par la poésie des petits éléments quelque fois oubliés dans les caves et des sons spatiales de ces merveilleux automates musicaux et de leur maître.

L’exposition Low Tech

C’est dans une valse avec la matière que nous entraîne l’exposition Low Tech, à la Maison des Arts de Créteil où, comme son nom l’indique, elle se démarque de ces « High Technologies », omniprésentes dans notre quotidien. Cette expérience résolument sensorielle nous confronte aux matières « d’hier » : bois, plastique et carton s’entremêlent pour nous parler des nouvelles technologies. Ici, les références culturelles importent moins que l’éveil des sens, l’engagement du corp et l’interaction avec les œuvres. C’est cette dernière dimension qui est mise à l’épreuve. On considère trop souvent l’interaction comme rendue possible depuis l’apparition des nouvelles technologies. Les œuvres des 13 artistes et collectifs exposants nous rappellent le contraire.

Parmi elles, l’une soulève notre intérêt. Au-delà de l’expérience esthétique proposée, son auteur japonais Kuwakubo Ryota interroge le visiteur sur son rapport au quotidien et sur ces technologies qui prétendent révolutionner nos existences.

The Tenth Sentiment : l’immersion poétique

Une pièce plongée dans la pénombre et le silence met le spectateur en éveil. On distingue à peine une installation singulière : un train électrique miniature sur un circuit à même le sol. De part et d’autre, sont disposés des objets du quotidien : crayons, pinces à linge, passoires, entonnoirs, corbeilles en papier, ampoules. Le train se met en route. Une lampe LED (Light-Emitting Diode : diode électroluminescente en français) fixée à l’avant provoque un effet d’ombres chinoises sur les parois de la salle. Les objets dispersés sur le sol adoptent un tout autre visage sur les murs. Plus cette lumière ponctuelle en est proche, plus la taille de leurs ombres est importante. Elles nous immergent dans un paysage urbain : des buildings de Manhattan succèdent aux poteaux, aux fils électriques, aux tunnels, aux ponts et à leurs arcades.

Seul le bruit du train trouble cette contemplation apaisante qui se métamorphose peu à peu en une immersion poétique. Notre position de spectateur bascule, ce train miniature nous transforme en voyageurs dans un périple inconscient, provoquant un effet d’interaction immédiate avec l’œuvre.

Expérience métaphorique

Des jeux de substitutions et de symboliques révèlent la prestance de l’œuvre de Kuwakubo Ryota. Ce quotidien dispersé sur le sol arbore à peine quelques déformations : des coûts de cutters sur les passoires pour servir l’installation. Sur les murs, c’est le reflet d’une autre dimension qui apparaît, les impressions de déjà-vu se succèdent et titillent notre vécu. Les voyages de nuit en train nous reviennent en mémoire, ils correspondent à des instants particuliers de nos existences, éminemment introspectifs.

Il s’agit bien de faire le lien entre les deux dimensions : celle du petit train, émetteur du dispositif, qui nous ramène à nos réels voyages en train par les projections d’ombres.  Ainsi, ces différences d’échelles se retrouvent connectées, renvoyant plusieurs images qui communiquent entre elles. Cela se traduit en quelque sorte par un effet poupées russes où une dimension est imbriquée dans une autre. Par exemple, le petit quotidien, celui des objets de la maison, se retrouve imbriqué dans le grand, plongé dans ces villes que nous arpentons continûment sans jamais réellement les regarder.

La question du rapport à ces objets est éminente car notre contact avec eux est constant mais demeure insignifiant. Dans The Tenth Sentiment, le voilà sublimé ; les formes, les couleurs, les matières, les moindres détails nous apparaissent, comme un moyen de se ré-approprier ces éléments et, d’une certaine manière, notre vie de tous les jours.

La question de la perception se pose également. Si le crayon est quelque chose qui sert à écrire où à dessiner, il peut aussi se transformer en building, quand nous nous efforçons de modifier notre regard et notre manière de voir les choses. Derrière toutes routines se cacherait le renouveau. Est soulignée cette volonté fréquente de se focaliser sur ce que nous n’avons pas alors que ce que nous avons recèle des richesses insoupçonnées.

Univers de substitution

Dans ce même état d’esprit, l’œuvre va plus loin et souligne que l’on peut produire un effet immersif, digne d’un film en 3D, avec des moyens rudimentaires. Beaucoup d’éléments connotent le domaine cinématographique tels que les buildings renvoyant à l’univers hollywoodien. Au sein même du fonctionnement du dispositif, les rails du train ramènent, sans détour, au travelling et la lumière LED se substitue au rôle d’une caméra qui provoque les différents rapports d’échelles des éléments. De cette manière, elle joue sur le point de vue du spectateur telle une caméra réelle et celui-ci se retrouve impliqué à différents niveaux dans l’œuvre. La diffusion des ombres dans l’ensemble de l’espace provoque un effet immersif important tout en banalisant la technique des images de synthèse. Finalement, lorsque le train cesse de rouler, le spectateur se retrouve à nouveau extérieur à l’œuvre et adopte une position redevenue contemplative.

Ainsi, dans la lignée de l’exposition Low Tech, Kuwakubo Ryota combat le cliché interactif soi-disant dépendant de la technologie. L’interaction avec l’œuvre est directe, elle s’en retrouve plus brute, peut-être même plus parlante que pourrait l’être un dispositif numérique en raison des objets utilisés qui nous sont familiers. Elle est apaisante et minimaliste comparée à une projection d’images, de pixels, d’images de synthèses et d’informations multiples. Les éléments nous parviennent calmement, dans un présent bien fixe, et ne se retrouvent pas condensés en une temporalité abrégée.

C’est au cœur d’un espace qu’une forêt prend place, et invite le visiteur à se promener au sein d’Alsos. Immergé au milieu d’une clairière imaginaire, le visiteur-promeneur prend connaissance d’un lieu intimiste où la rêverie est de mise. Entre mystère et univers fantastique, cette forêt interpelle le passant en lui révélant sa nature et sa vie à travers des sons qu’elle émet grâce à l’action de celui-ci, muni d’une lampe torche il interagit avec le lieu, il devient porteur de lumière, de sens et d’une œuvre.

Quel est cet univers mystérieux où l’on se perd et où l’on a nos sens en éveil ? La forêt. Un lieu tant mystique par son silence et son côté sombre, et tant enchanteresse par sa puissance dégagée et ses secrets enfouis. Elle éveille en chacun ses propres origines et un retour vers la nature qui était perçu par nos ancêtres comme étant sacrée, enveloppe d’esprit ou de divinité. D’ailleurs « Alsos » signifie en grec « bois sacré ».

Toutefois, de nos jours, si la forêt ne représente plus tant cette part fantastique et divine, elle contribue toujours à stimuler l’inconscient humain en créant cette atmosphère sombre et anxiogène, les peurs sont un transfert de l’inconscience.

Alsos est le reflet d’une volonté d’hybrider la nature. L’objectif est d’allier une possibilité technologique à une matière complètement naturelle, végétale. Alsos fonctionne par le flux de données et l’interaction sonore, effectivement grâce aux données qu’émettent les visiteurs par l’éclairage de zone de la forêt, celle-ci renvoie des sons en réponse. Cet univers naturel donne lieu à un univers musical, où le promeneur se transforme en véritable musicien débutant, chacun de ses mouvements créent des flux sonores différents. De fait, des œuvres musicales sont créées perpétuellement par le passage d’un ensemble de visiteurs qui en commun composent avec la nature.

La visite : Muni d’une lampe torche et guidé par un chemin parsemé de cailloux lumineux, le promeneur-visiteur se retrouve dans l’obscurité, lorsqu’un souffle sonore représentant le vent de la forêt vient à lui. Au sein d’un lieu sombre, les individus éclairent une végétation composée de branches et de fleurs luminescentes qui réagissent en fonction des flux lumineux. Ce sont des capteurs cachés dans les pistils de ces fleurs qui retranscrivent à un programme informatique les impulsions et les variations des lumières. De fait, un ordinateur réalise une mélodie associée et variée à chacune des fleurs par le biais d’enceinte dissimulée dans l’espace.

• En savoir plus

Au milieu de ses nombreuses archives relatant le passé de la ville, pourquoi ne pas y représenter l’âme actuelle de la commune grâce à la participation de sa population, aussi diverse soit-elle. Mettre en scène la façon dont les habitants perçoivent leur ville et montrer ainsi, en quoi ces perceptions alimentent une identité et une mémoire commune. Mieux vivre ensemble, c’est mieux se connaître et s’intéresser aux personnes qui forgent l’identité du territoire.

Alors, il était évident qu’afin d’enrichir un centre de tous temps, on ne peut qu’allier à la richesse documentaire papier, un signe de modernité avec une oeuvre numérique.

Une oeuvre numérique ? Oui, car elle utilise comme matières premières : des pensées, des histoires, mis en forme par des mots, des textes bruts et authentiques, des expressions sans inhibition… mais également des images en utilisant des vidéos et du son : paroles, voix ou musique. Voilà, en quoi cette oeuvre est bien différente d’un livre.

Son nom ? IN FABULA, « dans l’histoire », en latin. Un petit indice pour éveiller la curiosité des visiteurs et sous-entendre le sujet de l’oeuvre : s’interroger sur la mémoire vécue et imaginée des habitants.

Cette oeuvre évolutive et participative s’est forgée en dix semaines grâce à plus de 500 villeurbannais et un collectif d’artistes, géré par Denis Vedelago- artiste multimédia.

Il a été question dans un premier temps pour Anaïs Escot, écrivain, de créer une douzaine d’ateliers d’écriture. Elle demande aux Villeurbannais de raconter leur vie vécue, inventée ou souhaitée ; des anecdotes, des histoires, des états d’âmes, des rêves…sans aucune inhibition. Anaïs Escot n’a eu qu’à soustraire des parcelles de ce texte brut, sans n’y apporter aucune modification et en faire des brides de poésie. Le visiteur pourra lire en projections ces confidences ou les entendre grâce aux 27 lecteurs qui ont prêté leur voix afin de donner de la véracité aux dialogues et rendre les voix off touchantes.

Mais ces pensées doivent être accompagnées de visages. Alors, vient une idée originale : mettre un vidéomaton à disposition des habitants, au Rize, et cela a donné d’incroyables résultats : 400 personnes offrent leur visage devant la caméra durant une minute, en solo ou en groupe. Ils parlent, sourient, grimacent, restent immobiles, gênés… Ils sont drôles, touchants, énervants, décevants, étonnants… peu importe, ils sont eux et illustrent bien la diversité de la population villeurbannaise. Tous ces visages anonymes, sans voix vont défiler au Rize, de manière aléatoire sur un mur, au sol. Ces projections sont accompagnées d’un habillage musical et sonore, inspiré des propos racontés par les voix off. C’est un processus aléatoire qui combinent portraits et récits. Voici, le travail qu’a établi le duo d’artistes numériques Scénocosme avec Grégory Lasserre et Anaïs Met Den Anext.

Ainsi, vous l’aurez bien compris, ce n’est pas une simple vidéo projection. Denis Vedelago et son équipe permettent aux visiteurs du Rize d’évoluer, d’avancer dans IN FABULA, et de montrer une ville virtuelle et réelle à la fois. C’est une oeuvre numérique complète alliant son, image et texte. C’est un art moderne, au service de la société, éveillant la curiosité et l’intérêt de l’homme.

• Le projet en ligne : www.infabula.org/

Par ses mouvements lents, cette « raie manta » d’aluminium origamisé, dispositif suspendu et autonome, questionne l’espace, et la façon dont le visiteur l’appréhende. Son esthétique froide et mathématique en fait une installation contemplative associant l’ambiance irréelle des nappes sonores distordues de Kangding Ray, aux lents plié/dépliés des facettes de métal. Paramétrée pour que le son déclenche le mouvement (certaines facettes sont équipées de haut parleurs), son évolution dans l’espace crée une attente, celle du prochain geste, celle de la forme renouvelée que prendra sa surface, empiétant sur l’espace du visiteur.

LAb[au] : un laboratoire artistique interdisciplinaire

Le nom Lab[au] renvoi au Bauhaus, qui s’inscrivait également dans une démarche interdisciplinaire où l’architecture était vue à travers le prisme de l’art contemporain. Ce collectif belge fondé en 1997 expérimente des installations audiovisuelles, des créations interactives qui interrogent les notions d’espace et de flux d’information, pour lesquelles ils développent leurs propres programmes informatiques. Leur domaine d’expérimentation est vaste: urbanisme, architecture, danse contemporaine, design, musique…

Signé sur le label de musique électronique allemand Raster-Noton (auquel ont déjà contribué des artistes tels que Ryoji Ikeda, et plus récemment Alva Noto et Ryuichi Sakamoto, Kangding Ray (Sebastien Letellier) est un compositeur sonore français, basé à Berlin, dont les boucles ambiantes teintées d’electronica minimaliste donnent vie à l’installation Tessel.

Tessel est désormais visible à l’Atelier GH : http://www.ateliergh.com/.

• Installation Tessel sur YouTube : http://youtu.be/wydnMuYIxr0
• Site de LabAU : http://lab-au.com/
• Site de Kangding Ray : http://www.kangdingray.com/

Pour aller plus loin:

Le domaine de l’architecture cinétique tente de redéfinir le rapport au bâtiment et à l’habitat. Utilisant la technologie, la construction se met au service de son usager, et dépasse sa fonction première d’habitat.

• Dynamic facade « Kiefer Technic Showroom » sur YouTube : http://www.youtube.com/watch?v=rAn4ldWjw2w&NR=1
• Emergent Surface « Design and the Elastic Mind » sur YouTube : http://youtu.be/ny-beODRB2U
• Démonstration « Hyposurface » avec interview Mark Goulthrope sur Dailymotion : http://dai.ly/dao5it

The Nixie Mixie Matrix est un dispositif constitué par cent tubes de néon de différentes longueurs et couleurs, disposés sur plusieurs couches, de manière chaotique, dans une grande boite noire haute de plusieurs mètres. A côté se trouve un ordinateur où le visiteur est invité à taper ses messages, d’un maximum de 40 mots, qui apparaissent soudainement au centre de la matrice.
J’ai testé le dispositif en tapant les mots « I love my life » : après quelques instants, l’installation s’est mise en marche et les néons ont reproduit mon message avec un bel effet visuel de clignotement coloré. Il faut décoder le texte qui apparaît de manière séquentielle, lettre après lettre, dans le fouillis des tubes lumineux qui s’allument et s’éteignent alternativement.

L’artiste explique que les messages peuvent transiter via SMS, Twitter et autres systèmes de communication. Une web-réponse automatique est envoyée à chaque message via les moteurs de recherche. L’installation est reliée aux 440 caractères de la matrice <<You&Me-isms>> du Centre des arts et des médias de Karlsruhe, en Allemagne, où ils sont stockés. Les messages des utilisateurs sont transmis à la fois en France et en Allemagne.

Boris Petrovsky est familier des installations utilisant des tubes lumineux. L’usage qu’il fait ici des néons pour transcrire les messages interroge les processus d’échange et de lecture : « en attribuant les messages, les utilisateurs organisent l’enchevêtrement des matières comme une structure géométrique par leurs mots avec un sens linguistique ou non-sens », précise-t-il.

A la fois intuitive et ludique, cette installation permet de fabriquer des films image par image à l’aide de formes simples en plexiglas coloré – triangles, cercles, carrés. Ici, aucune notion technique ou informatique n’est nécessaire. Libre cours à notre imagination. Seul compte le plaisir de jouer. Trois boutons permettent d’activer les fonctions simples du dispositif: enregistrer, remettre à zéro, afficher son film en plein écran.

Akuery est un atelier d’art numérique simple et créatif qui attire l’attention des enfants. Ils placent leurs mains sur la table lumineuse, déplacent les formes et cliquent pour enregistrer. L’animation image par image s’affiche alors sur l’écran. Les enfants, très inspirés par le dispositif, peuvent ainsi s’initier aux techniques de « stopmotion » et de « pixilation ». Ils prennent conscience qu’une animation, une image numérique est réalisée par des pixels, en utilisant un nombre limité de couleurs. Le public et l’installation travaillent et jouent ensemble dans un dialogue qui produit une œuvre d’art unique en temps réel.

• Le site de YRO YTO : http://www.yroyto.com